2023

15/01 > 26/02 - 2023

Raf Thys (BE) soloshow
recente schilderijen / recent paintings

kleine kamer presentaties een selectie van werken uit de stock
small room presentations a selection of works from stock

Ab van Hanegem, Dave Meijer, Shawn Stipling, Jus Juchtmans, Paul Gees, Henriëtte van 't Hoog, Gracia Khouw

Raf Thys
Untitled (005-I- 0119) 2022
Oil on linen, 100 x 80 cm

Raf Thys
Untitled 051-I-0119 (2019)
Oil on linen, 50 x 40 cm

Raf Thys
Untitled (007-I- 0119) 2020
Oil on linen, 150 x 120 cm

Mijn schilderijen zijn zichzelf. Zij verbeelden niet iets anders dan de verf op het doek. Zij ontstaan traag, gedurende één, drie, zeven of meer jaren. De lange tijd die elk schilderij beslaat om te worden is ook de betekenis en de schoonheid ervan. Niet een vertaalbare betekenis, niet de zichtbare schoonheid, maar de inherente betekenis en schoonheid van de tijd zelf die elk schilderij nodig heeft om te worden en te blijven worden tot wat het nu is. Dat proces stopt niet zolang een schilderij in mijn bezit blijft. Er kan steeds opnieuw aan gewerkt worden. Telkens opnieuw, ook nadat het tentoongesteld is, kan het weer veranderen. Altijd. Altijd kan er opnieuw verf toegevoegd worden. Dit voortdurende proces geeft mij rust, stelt mij gerust. Mijn werken blijven altijd in wording.
Soms krijgen mijn werken een titel, soms een tijdelijke titel, misschien slechts voor de duur van een tentoonstelling, of voor altijd als het werk niet in mijn bezit blijft, of voor de tijd dat ik er niet verder aan werk. Die titel kan blijven zo lang hij op de juiste manier iets toevoegt aan het schilderij. Later kan de titel weer verdwijnen, of veranderen, wanneer het werk weer anders wordt.
Mijn werken zijn voldragen, maar nooit voleindigd, altijd slechts op een bepaald punt aanbeland. Daarna zien we wel. We zien wel wat er komt. Zo wil ik in het leven staan, en in de kunst. Zo wil ik in mijn kunst leven.

My paintings are themselves. They do not depict anything other than the paint on the canvas. They are created slowly, over one, three, seven or more years. The long time each painting takes to become is also its meaning and beauty. Not a translatable meaning, not visible beauty, but the inherent meaning and beauty of time itself that each painting takes to become and continue to become what it is today. That process does not stop as long as a painting remains in my possession. It can be worked on again and again. Again and again, even after it has been exhibited, it can change again. Always. Always paint can be added again. This continuous process gives me peace of mind, reassures me. My works are always in the making.
Sometimes my works are given a title, sometimes a temporary title, perhaps only for the duration of an exhibition, or forever if the work does not remain in my possession, or for the time I do not continue working on it. That title can stay as long as it adds something to the painting in the right way. Later, the title can disappear again, or change, when the work becomes different again.
My works are accomplished, but never finished, always just at a certain point. After that, we'll see. We'll see what comes next. That's how I want to be in life, and in art. That's how I want to live in my art.

Raf Thys, mei / May 2019

kleine kamer presentaties II / small room presentations II

Ab van Hanegem, Dave Meijer, Shawn Stipling,
Jus Juchtmans, Paul Gees, Henriëtte van 't Hoog, Gracia Khouw

Paul Gees Henriëtte van 't Hoog
‘Scheidingslijn (2017) ‘Inner Glow VI’ (2011)
Ash, plywood, stone Acrylic on zinc
26 x 18 x 5,5 cm 58 x 34 x 15 cm

Ab van Hanegem Gracia Khouw
Untitled (2020) ‘Over’ 26-04-2021
Acrylic on paper Acrylic and laquer on 6 mm laser-cut plywood
85 x 65 cm, wooden frame 41 x 45 x 2 cm

Shawn Stipling Dave Meijer
‘Let me make it plain’ (2021) Untitled (2022)
Acrylic on linen on panel Oil on linen on panel
30 x 23 cm 29,5 x 24,5 cm

05/03 > 16/04 - 2023

Clary Stolte (NL)
‘LAYERS’ - soloshow

kleine kamer presentaties # 3 / small room presentations # 3
P.B. Van Rossem (BE) - Werk op papier en werk op paneel / works on paper & works on panel
Maurice van Tellingen (NL) - Multiples

Studio Clary Stolte, Amsterdam 2023 ‘Modulation 16/blue (2021)
Tape op frame, 20 x 20 cm

Clary Stolte

Het werk van Clary Stolte kan het best omschreven worden als object research painting dat bestaat uit een minutieus onderzoek naar materiaal, eigenschappen en gedragingen.
Dit leidt tot minimale, maar daarin tegelijkertijd extreme ingrepen.
Naast verf gebruikt zij in haar werk industriële materialen maar ook hedendaagse die we van alledag kennen. Met een kwast brengt ze shampoo en acryldispersie op het doek; ze giet haargel, smeert aambeienzalf en giet suikerwater. De handeling bepaalt het werk.

Sleutelwoorden binnen het oeuvre zijn ritmiek, volume, humor, vernieuwing, nieuwsgierigheid en experiment. Ze benoemt haar werk expliciet als schilderkunst. Stolte zoekt naar licht en transparantie.
De vele gradaties van transparantie zijn afhankelijk van het materiaal waarmee zij schildert en de ondergrond.
Het oppervlak reageert op het aanwezige licht en reflecteert het. Er is schittering, glans.
Een presentatie is voor haar ook het plezier van het werken in het atelier communiceren met het publiek.

The work of Clary Stolte can best be described as object research painting, which consists of a meticulous examination of materials, properties and behaviour.
This leads to minimal but at the same time extreme interventions.
Besides paint, she uses industrial materials in her work but also contemporary ones that we know from everyday life. With a brush, she applies shampoo and acrylic dispersion to the canvas; she pours hair gel, spreads haemorrhoid ointment and pours sugar water. The action defines the work.

Keywords within the oeuvre are rhythm, volume, humour, innovation, curiosity and experimentation. She explicitly names her work as painting. Stolte searches for light and transparency.
The many degrees of transparency depend on the material she paints with and the surface.
The surface reacts to the light present and reflects it. There is brilliance, shine.
For her, a presentation is also the pleasure of working in the studio communicating with the public.

Clary Stolte Clary Stolte
Volume 3 # 5 (2022) Volume 4 #1 (2023)
Synthetic clay on wood, 24 x 18 x 4 cm Clay and coffee on wood, 24 x 18 x 4 cm

Clary Stolte
‘Damaged painting #9’
Torn emulsion left over on canvas,40 x 40 cm

kleine kamer presentaties # 3 / small room presentations # 3

P.B. Van Rossem (BE)
Werk op papier en werk op paneel / works on paper & works on panel

Maurice van Tellingen (NL)
Multiples

P. B. Van Rossem
Untitled (2023)
Vinylpaint and gesso on panel, wood, 21 x 14,8 cm

P. B. Van Rossem
Untitled (2023)
Vinylpaint and gesso on wood, 13,5 x 8,8 x 3,2 cm

P. B. Van Rossem
Untitled (2023)
Red frame missal paper, lacquer paint, 17,2 x 12,8 cm

P. B. Van Rossem
Untitled (2023)
Vinyl and gesso on oak panel, 21 x 14,8 cm

P. B. Van Rossem

…kleine werken waarin zowel vorm als kleur gekoesterd worden in een toepassing van talrijke technieken en materialen zoals potlood, verf, collage, assemblage, ... en waaruit bovendien een schitterende assimilatie van kunsthistorische verwantschappen blijkt.
Je ervaart invloeden uit de hoek van kubisme, arte povera, geometrische abstractie, Victor Servranckx, Robert & Sonja Delaunay, zelfs Victor Vasarely en een vleugje Max Ernst, ... maar het uiteindelijke resultaat is zo onmiskenbaar P. B. Van Rossem.

P.B. Van Rossem knipt en plakt, tekent en schildert, meet en past, snijdt en zaagt, recycleert en assembleert, kleurt, schaaft, ... met het geduld van een monnik in een scriptorium en steeds in een zoektocht naar een evenwichtige compositie.
De arbeidsintensiteit waarmee elk werk gemaakt is, trilt zichtbaar na.
Van Rossem opereert vanuit het standpunt van de 'Uomo Universale'.
Ook jazz, wereldmuziek en klassieke muziek zijn voor hem bekende en geliefde terreinen. Toch laat hij de inhoudelijke achtergronden van zijn werk aan de interpretatie van de toeschouwer over.
'Zonder titel' heten zijn werken dan ook, maar ze brengen je wel in talloze werelden.
Hij weegt lijnen en wisselende vlakverdelingen tegen elkaar af.
Zijn wereld is vol afwisseling en mysterie (het deurtje op een kier... of de ene realiteit die de andere verbergt).

“ik vul de hiaten van de 20-e eeuwse kunstgeschiedenis”.

...small works in which both form and colour are nurtured in an application of numerous techniques and materials such as pencil, paint, collage, assemblage, ... and which also reveal a brilliant assimilation of art-historical affinities.
You experience influences from cubism, arte povera, geometric abstraction, Victor Servranckx, Robert & Sonja Delaunay, even Victor Vasarely and a touch of Max Ernst, ... but the final result is so unmistakably P. B. Van Rossem.

P.B. Van Rossem cuts and pastes, draws and paints, measures and fits, cuts and saws, recycles and assembles, colours, scrapes, ... with the patience of a monk in a scriptorium and always in search of a balanced composition.
The labour intensity with which each work is made visibly vibrates after.
Van Rossem operates from the point of view of the 'Uomo Universale'.
Jazz, world music and classical music are also familiar and favourite fields for him. Yet he leaves the content backgrounds of his work to the interpretation of the viewer.
So his works are called 'Untitled', but they do take you into countless worlds.
He weighs lines and alternating surface divisions against each other.
His world is full of variety and mystery (the door ajar... or one reality hiding another).

"I fill the gaps of 20th-century art history".

Maurice van Tellingen Maurice van Tellingen
‘Winterboom’ (2018) - Ed. 10/15 ‘Doucheputje’ (2021) Ed. 1/15
Plexiglass, MDF, decoration materials Print, epoxy resin, frame, glass
30 x 15 x 15 cm 25 x 35 x 2 cm

Maurice van Tellingen Maurice van Tellingen
'Voordeur' (2017) Ed. 15/15 + 1 AP ‘Zijraam’ (2017) Ed. 7/15
MDF, glass, alkydpaint, 25 x 13 x 2 cm MDF, glass, plastic, alkydpaint, 25 x 20 x 2 cm

Maurice van Tellingen

Maurice van Tellingen creëert driedimensionale modellen waar de feitelijke gebeurtenis nog moet plaatsvinden of net is afgelopen. Werk vol van sfeer en spanning zonder onderdeel te zijn van een verhaallijn, het drama ontvouwt zich elders, het is een beeld van een herinnering aan een gebeurtenis die nooit zal plaatsvinden. Van Tellingen werkt met alledaagse ruimtes waar zich niet of nauwelijks iets afspeelt en waar de tijd in een 'loop' ronddraait.

Een uitgebrande vrijstaande woning. Een droom in duigen. Een huiselijk tekort. Van Tellingen modelleert zoiets even geserreerd als navrant. Onheil is het, maar beschaafd onheil. Wij lijden privé. Niemand hoeft het te weten.
In dit land dragen we ons onbehagen in besloten kring. Er is het één en ander loos. Maar bij de buren ook.

Laten we het ‘zwijgen’ noemen. Een verzwegen omgeving. Het verlaten parkeerplein, voorzichtig verlicht door enkele ijle lantaarnpalen. Dat anonieme zijraam, dichtgetimmerd. Die lege zolder met ruimte voor diverse gedachten.

We kijken naar reliëfs. Eén betekenis van dit woord is ‘beeldverhoging’. Welnu, dit is zowel letterlijk als figuurlijk een adequate beschrijving van de objecten die Van Tellingen hier presenteert.

Door de isolatie van een raam, een enkele wand, een onmogelijke houten entree, concentreert hij ons gezichtsveld. Zijn werk heeft structuur: het suggereert of neemt de ruimte, al naar gelang. Het lijkt zo simpel soms. Een lichtbron, die schaduw en een verlichte plek. Alles schijnt in orde te zijn en toch klopt er iets niet. In gedachten gevoed door onbehagen, geprikkeld door onheil brandt de keurige villa in de voorstad uit. En Van Tellingen komt met bewijsstuk 1. Een voldongen feit, ooggetuigen ontbreken en er zijn geen verdere bewijzen van het drama dat zich in stilte voltrok.

Maurice van Tellingen creates three-dimensional models where the actual event has yet to take place or has just ended. Work full of atmosphere and tension without being part of a storyline, the drama unfolds elsewhere, it is an image of a memory of an event that will never take place. Van Tellingen works with everyday spaces where little or nothing happens and where time spins in a 'loop'.

A burnt-out detached house. A dream in tatters. A domestic deficit. Van Tellingen models something like this as serrated as it is navel-gazing. Mischief it is, but civilised mischief. We suffer privately. No one needs to know.
In this country, we carry our discomfort in private. There is some trouble. But so are our neighbours.

Let's call it 'silence'. A silenced environment. The deserted car park, gently lit by a few thin lampposts. That anonymous side window, boarded up. That empty attic with room for various thoughts.

We are looking at reliefs. One meaning of this word is 'image enhancement'. Well, this is both literally and figuratively an adequate description of the objects Van Tellingen presents here.

Through the isolation of a window, a single wall, an impossible wooden entrance, he concentrates our field of vision. His work has structure: it suggests or takes space, as appropriate. It seems so simple sometimes. A light source, that shadow and a lit place. Everything seems to be fine and yet something is not right. In thoughts fuelled by unease, spurred by doom, the neat suburban villa burns out. And Van Tellingen comes up with Exhibit 1. A fait accompli, eyewitnesses are missing and there is no further evidence of the drama that took place in silence.

07/05 > 11/06 2023

Ditty Ketting (NL)
Martha Scheeren (NL)
Shawn Stipling (UK)

Martha Scheeren, Ditty Ketting

2 juni 2023
Flor Linckens schreef een mooi artikel in Gallery Viewer Magazine over de tentoonstelling.
Een feest van kleur en de schoonheid van onopgemerkte details in Galerie van den Berge
Lees het artikel hier (NL)

2 june 2023
Flor Linckens wrote a nice article in Gallery Viewer Magazine about the exhibition.
Galerie van den Berge: a feast of colour and the beauty of unnoticed details
Read the article here (UK)

Martha Scheeren
Untitled (4 x) 2019, acrylic on linen, 50 x 50 cm
Studio Goedewaagen fotografie

Martha Scheeren (NL - 1958)

De verbinding en verhouding tussen kleur en licht vormt het altijddurende onderwerp in Martha Scheeren haar werk.
Martha Scheeren maakt in haar werk gebruik van de ‘gedragingen’ die kleuren bezitten.
Zodra kleuren bij elkaar in de buurt komen, gaan ze wederzijds relaties aan. In combinatie bemoeien kleuren zich eindeloos met elkaar en laten ze zich gebruiken.
Daarbij staat enerzijds het beheersen en anderzijds juist het manipuleren van kleur centraal in de opvattingen van Scheeren over schilderen. Dit bereikt zij door middel van nuances in dikte of verdunning van de verflaag, het laten doorschemeren van de ondergrond, of door effecten veroorzaakt door de richting van de kwaststreek aan de randen van vlakken of daar waar vlakken bij elkaar komen.
De vlakken lijken ogenschijnlijk geschilderd te zijn in één kleur; echter er ontstaan eerder ‘polychromen in één kleur.’
Maar het werk is niet af als de kleuren niet kunnen schitteren.
De kleuren dienen te vibreren, waardoor de schilderijen zich gedragen alsof zij zelf de bron van alle licht zijn.
Tekst: Ge van Steenbergen

Marta Scheeren
Series of 4 multiples (2023), acrylic on plexiglass Ed. 20
24 x 18 cm (each)
Studio Goedewaagen fotografie

Shawn Stipling (UK - 1967)
Mijn werk is vaak zeer spaarzaam qua inhoud.
De elementen die ik gebruik worden geminimaliseerd totdat alleen datgene overblijft wat 'actief' is.
Deze reductie is essentieel omdat ze een grotere controle over elk van deze elementen mogelijk maakt en, wat cruciaal is, mij in staat stelt elk toeval te elimineren ten gunste van een 'bewuste keuze'.
De precisie is ook functioneel; het benadrukt dat zelfs details (van soms maar één millimeter of minder), opzettelijk zijn en niet het resultaat van toeval.
Zo ontstaat een situatie waarin de kijker zich er ten volle van bewust is dat over elke nuance is nagedacht en dat het beeld niet het resultaat is van een toevallige samenloop van omstandigheden.
Ik kies beelden die verband houden met menselijke activiteit, eerder dan die welke betrekking hebben op de natuurlijke omgeving, omdat ik wil communiceren op een zeer directe en, zoals ik het zie, zeer 'menselijke' manier.
Ik ben geïnteresseerd in de connecties die we met anderen maken door de dingen die we creëren - kunst, muziek, architectuur..., en hoe deze connecties gebaseerd kunnen zijn op de allerkleinste details.
Ik vind dat de wetenschap dat deze details specifiek en 'opzettelijk' gecreëerd zijn door de kunstenaar, componist, architect..., in plaats van door toevallige gebeurtenissen, een intens intieme band creëert die versterkt wordt door de ondubbelzinnige aard van de expressie.

Shawn Stipling
Studio Goedewaagen fotografie

Shawn Stipling
L: Untitled (Structure painting) 2023, acrylic on linen over panel, 30,5 x 23 cm
R: Untited (Structure painting) 2023, acrylic on linen over panel, 30,5 x 23 cm

Shawn Stipling
Untitled (structure painting) - 2021
Enamel on linen, 110 x 85 cm

Ditty Ketting
Studio Goedewaagen fotografie

Ditty Ketting (NL - 1952)

In mijn schilderijen zijn kleur en ruimte veelomvattend en wezenlijk.
Met acrylverf schilder ik vlakken en rasters, geen voorstelling maar een compositie van kleuren en lijnen waarbij ik gebruik maak van bestaande kleurordeningen en structuren.
Mijn grote inspiratiebron is Josef Albers die zich de beperking oplegde kleur als op zichzelf staand motief te kiezen. Het ging hem om de essentie: het tot leven brengen van kleur.
- Kleur bestaat niet op zichzelf
- Kleur openbaart zichzelf in dialoog met kleuren
- Kleur komt tot leven door andere kleuren

Sensaties van kleur
In mijn schilderijen zijn kleur en ruimte allesomvattend, even wezenlijk als het licht. Om de werking van de kleuren zo helder mogelijk weer te geven breng ik de verf egaal en strak op het doek aan in verscheidene dunne lagen. De ene keer zijn de kleuren verwant en roepen ze spanning op omdat ze dicht bij elkaar liggen, ze trekken naar elkaar toe, maar wanneer het kleurgebruik complementair is duwen de kleuren elkaar af en vibreert het schilderij. Soms lijken bepaalde vlakken op verschillende afstand van het oppervlak te zweven.

Ik hou van de visuele rijkdom van kleuren, de oneindige schakeringen, de veranderlijkheid van kleuren, het feit dat ze ondanks de wetmatige toepassing hun vrijheid zoeken en ontsnappen aan het systeem. Ze gaan voor zichzelf spreken. Mijn schilderijen zijn concreet uit een verlangen naar iets dat universeel is, dat mensen bindt, een bepaalde herkenning oproept.

Ditty Ketting
Untitled 407 (2015)
Acrylic on linen, 56 x 112 cm

Ditty Ketting
Untitled 515 (2023)
Acrylic on linen, 60 x 60 cm

Ditty Ketting
Untitled # 310 (2008)
Acrylic on linen, 42 x 42 cm

Studio Goedewaagen fotografie

Ditty Ketting
Untitled # 413 (2015)
Acrylic on linen, 60 x 180 cm

Kunstbeurzen 2023