2021

Tentoonstellingen 2021

12/03 > 17/04

Nanda Runge:  virtuele presentatie
pietsjanke fokkema: virtuele presentatie

 

NANDA RUNGE

 

 


‘Going to a town # 2’ (2020), olieverf op linnen/ oil on linen, 60 x 40 cm
 

De werken van Nanda Runge tonen architectonische ruimtes waar iets mee aan de hand is.
Alles wringt een beetje. De afgebeelde plekken zijn vaak niet goed te duiden.
In haar werk speelt de kunstenaar met schaduwen, structuren, licht en donker en  gebruikt ze verschillende grijstinten. Gebouwen of voorwerpen worden sober en schetsmatig verbeeld: door middel van contouren, een enkele streek of half aangezette onderdelen zonder ze gedetailleerd uit te werken.

In 2020 begon Runge aan een serie schilderijen waarbij ze haar foto’s, gemaakt vanuit een rijdende auto, als uitgangspunt gebruikte.
Beelden van een voorbij trekkend landschap met gebouwen, straten, huizen bewoond door mensen waar je niets van weet. De melancholie van onderweg zijn, niet weten waar je naar toe gaat.
De schemering valt, luchten verkleuren en gebouwen worden silhouetten.

Al schilderend maakte ze de keuze om delen van het doek te overschilderen (‘weg te gummen’) met gesso. Dit gaf haar de vrijheid te werken alsof het een tekening betrof. Deze, voor haar nieuwe werkwijze, leverde een nieuwe gelaagdheid op in het schilderij terwijl de met gesso witgeschilderde vlakken zich manifesteerden als geschilderd ‘nieuw object’ in de totale compositie.
De schilderijen kregen titels. ‘Keep going’, Going to a town’, ‘Discontinued’, ‘Drive’ en ‘Evaporate’.
De eerste werken uit deze reeks toonden wij op Art Rotterdam 2020. De recentere werken zijn te zien in de huidige tentoonstelling.

Haar werkperiode in het Zomeratelier 2020 van het CBK Middelburg begon met het selecteren van door haar verzamelde oude ansichtkaarten van vakantieoorden. In tegenstelling tot haar eigen foto’s waren onderwerpkeuze en compositie al bepaald door een ander. Runge creëerde nieuwe beelden door gebruik te maken van markers en tippex-lint.

“Boulevards veranderden in witte vlakken, met harde lijnen uitlopend tot het achterland. Gebouwen werden witte, grijze of zwarte vlakken, die op gelijk niveau geraakten met de lucht die niet langer achtergrond was. Meren vielen samen met luchten, slechts onderbroken door zwarte wolken waarmee ze bergkammen wegpoetste. Het idee van het ideale uitzicht werd hier gelogenstraft en zo ontstonden stiltes in de beelden, maar de grootste ontdekking vond ze de schoonheid van watervlaktes - dat is de vondst die Runge mee terug neemt haar atelier in, als inspiratie voor volgende stappen” 
Citaat uit de tekst van Sandra Smets, geschreven voor de  publicatie bij het Zomeratelier 2020 - CKB Zeeland

De serie bewerkte ansichtkaarten kreeg de titel “Rayleigh blue’ naar de door de Britse natuurkundige en Nobelprijswinnaar Lord Rayleigh verklaarde verstrooiing van lichtdeeltjes waardoor onbewolkte luchten blauw zijn.
Naast een selectie van postcards zijn er ook een viertal zeer recente schilderijen te zien met dezelfde overkoepelende titel.
Bij deze werken koos Nanda Runge de ansichtkaarten als vertrekpunt.

 


'Drive # 1' (2020), olieverf op linnen / oil on linen, 70 x 80 cm

 

 


'Going to a town # 1', olieverf op linnen / oil on linen, 40 x 60 cm



 


'Drive # 2' (2020), olieverf op linnen / oil on linen, 90 x 70 cm

 

 


'Going to a town # 2', aquarel, bladmaat / sheet: 23 x 20 cm

 




'Going to a town # 4', aquarel, bladmaat / sheet: 23 x 20,5 cm


 


‘Rayleigh blue # 14’ (2020), bewerkte ansichtkaart / marker on postcard, 10 x 15 cm
Lijst / frame: museumglass, 25 x 25 cm



 


‘Rayleigh blue # 16’ (2020), bewerkte ansichtkaart / marker on postcard ,10 x 15 cm
Lijst / frame: museumglass, 25 x 25 cm

 

 


'Rayleigh blue # 2 (2020), bewerkte ansichtkaarten / marker on postcards, elk/each: 10 x 15 cm

 

 


'Rayleigh blue # 10 (S)' (2020), olieverf op papier / oil on paper, 24,5 x 32 cm
 

 


'Rayleigh blue # 7 (S)' (2021), olieverf op canvas board / oil on canvas board, 24 x 24 cm 

 

 

pietsjanke fokkema


pietsjanke fokkema, 'Roze muur' / 'Pink Wall'


Het alledaagse leven, waaronder mijn eigen alledaagse leven, is de basis van mijn werk. Abstract ogende werken zijn terug te voeren op de werkelijkheid, zoals de Maanstandencirkel (2020).
Een tekening van de maanstanden uit 2012 werd aanleiding om een ruimtelijk werk te maken, terwijl de tekening zelf zich weer baseert op een voorstelling, gevonden in een boek. Het komt altijd ergens vandaan, waarna het werk zich zelf verder ontrolt.
Deze beweging van nieuwe vormen genereren, is letterlijk de werkwijze om de kegelvorm te maken.

De kegel is opgebouwd uit (papieren) cirkels. Bij de eerste kleinste cirkel gebruik ik een (knoop)vorm om de cirkel te maken, daarna gebruik ik de vorige cirkel om de volgende cirkel te maken. Hierdoor worden de cirkels langzaam groter.

Het werk hang ik zodanig op, dat de verbindingen tussen de werken duidelijk worden. Er is overal samenhang. Zodra ik een nieuw werk toevoeg, verschuift het geheel. Soms gaat  door de aanwezigheid van een nieuw werk alles kantelen en ontstaan er ingrijpende veranderingen. Door deze werkwijze blijft het altijd in beweging.

Het werk gaat over verbintenissen met een grotere werkelijkheid (zoals de planeten), met een vorige werkelijkheid (geschiedenis), met een andere werkelijkheid (verbeelding).  Met de mensen die er waren. Met langere lijnen. Met dat wat er ook mogelijk is. Het werk laat zien wat er zou kunnen zijn.
Tekst: pietsjanke fokkema

 


'Maanstandencirkel # 1' (2020), zakdoekpapier, gouache, spelden / tissue paper, gouache, pins,   Ø 15 cm

 

 


'Grijze kegel' (2021), papier, katoendraad / paper, cotton thread, Ø 6,5 cm, H 10,5 cm
'Oranje kegel' (2021), papier, katoendraad / paper, cotton thread, Ø 6 cm, H 11 cm
'Oranje Mars' (2021), kleurpotlood op papier/ colorpencil on paper, 15 x 25,5 cm

 



'Planeetbanen I, II, III' (2021),  gouache (zilver) op papier / gouache (silver) on paper,  elk / each: 14 x 9 cm
 

 


'Spiraal, oranje' (2021), kleurpotlood op papier / colorpencil on paper, 25 x 25 x 28 cm

 

 

        
‘Gekleurde cirkels’ (2019)                                                                         ‘Planeetbanen (blauw)’ (2021)
Kleurpotlood, touw, katoen, draad                                                            Gouache op papier                                                  
Color pencil, rope, cotton, thread                                                                Gouache on paper
12 x 17 cm                                                                                                14 x 9 cm

 

 


pietsjanke fokkema, 'blauwe muur' / 'blue wall'

 

 

 

 


‘Triade / blauwe rand’ (2021)
Potlood, gouache, zakdoekpapier, karton, draad / pencil, gouache, tissue paper, cardboard, thread, 22 x 28 x 2,5 cm

 

 

22/04 > 24/04
'A one weekend show'



Apprentice Master # 4 -  'A Frame for Substance'
Apprentices:
Emiel Ambroos - ArtEZ, Arnhem
Jesse van Epenhuijsen - St. Joost, Breda
Quin Zeljak - Zuyd Hogeschool, Maastricht
Manon Clement - Luka School of Arts, Gent
Masters:
Monika Dahlberg & André Smits


Virtual presentation

Na een werkperiode in de kunstwerkplaats van Monika Dahlberg en André Smits, M_M_Artspace (Kattendijke, Zld) exposeren de vier apprentices samen met de masters van donderdag 22 t/m zaterdag 24 april in Galerie van den Berge.
De 'A one weekend show' is op afspraak te bezoeken.
 

Tentoonstellingsfoto's: André Smits


Zaal - werk van Emiel Ambroos en Jesse van Epenhuijsen

 

 


Zaal - werk van Manon Clement en Emiel Ambroos
 

 


Manon Clement                                                                         Quinn Zeljak (muur), Emiel Ambroos (vloerbeeld)

 

 


Zaal - Quinn Zeljak (muur), Emiel Ambroos (vloerbeeld)

 

 


Kamer - Monika Dahlberg

 


Kamer - muurschildering van André Smits en collages van Monika Dahlberg
 

 


Quinn Zeljak
'Rat King' (2020)
Mixed media collage,30 x 23,5 cm

 


Manon Clement
'If I could give you a place' (2020)
Geweven op jacquard. materiaal: polyester en acryl, woven on jacquard. material:polyester and acrylic, 40 x 150 cm
Photo: Gert-Jan van Rooij

 

 


Jesse van Epenhuijzen
'Klankplaat 1' (2021)
Epoxy, isolatiefoam, betonplex / epoxy, insulation foam, concrete plywood, 50 x 50 cm

 

 


Emiel Ambroos
'Beyond private equities and plastic palm trees' (2020)
Hout, schuim, exotisch fineer, karton (gevonden materialen) / wood, foams, exotic veneer, cardboard (Found materials)
Links / left: 34 x 15 x 11 cm
Rechts / right:  29 x 13 x 12 cm

 


Monika Dahlberg
'A smile means friendship for everyone' (2020)
Collage (ingelijst / framed), 60 x 53 cm (sold)

 


André Smits
ARTISTINTHEWORLD playlist edition (05-11/04/2021) - ED 11
Tekening, geprint op Rough Texture (gesigneerd en ingelijst) / drawing, printed on Rough Texure (signed and framed), app.. 25 x 35 cm

 

 


M_M_Artspace: v.l.n.r.:Quin Zeljak, Manon Clement, Jesse van Epenhuijsen, Emiel Ambroos
Photo: André Smits / artistintheworld.com

 

Apprentice Master
'Apprentice Master' is een project van Kunstpodium T (Tilburg) waarin net afgestudeerde kunstenaars samen met gerenommeerde kunstenaars een uitwisselingstraject van één jaar ingaan. Ze komen regelmatig samen en wisselen ideeën en ervaringen uit.
Deze samenwerking tussen Apprentices en Masters resulteert uiteindelijk in exposities die voor publiek te bezoeken zijn.
Deze vinden plaats bij Kunstpodium T of op een van de gastlocaties.

'Apprentice Master' is a project by Kunstpodium T (Tilburg - NL) in which recently graduated artists, together with renowned artists, embark on a one-year exchange process. They meet regularly and exchange ideas and experiences. This collaboration between Apprentices and Masters ultimately results in exhibitions that can be visited by the public. These take place at Kunstpodium T or at one of the guest locations.

 

'Flat surfaces and spatial lines'
01/05 > 05/06

René van den Bos - schilderijen en werk op papier
Anne Rose Regenboog - kubus objecten
Harry Markusse - collages, werk op papier & 'stacked paintings'

 


René van den Bos - zaaloverzicht

 


Anne Rose Regenboog - zaaloverzicht

 


Harry Markusse, kamer  - doorkijk naar de zaal: René van den Bos

 



Anne Rose Regenboog
8 kubusobjecten (z.t.), staal met roestpatina, 20 x 20 x 20 cm (elk) - Kabinet

 

 Anne Rose Regenboog (NL - 1958)
Staaldraden in de ruimte van de kubus volgens een systematische variatie.
Anne Rose Regenboog trekt als ruimtelijk schrift extra lijnen tussen de ribben van open kubussen met karakters gebaseerd op driedimensionale geometrische vormen.
In een strak ritme dat aan de muur wordt gehangen, verandert het beeld van de kubussen met het licht dat erop valt en schaduwen werpt. Samen met de beweging van het kijken vormen de kubussen samen een levendig spel, een choreografie voor het oog.

 

 


René van den Bos
'Inside outside # 3' (2021), acryl en pigment op katoen, 120 x 110 cm

 

 


René van den Bos
'Inside outside # 22' (2020), acryl, pigment op katoen, 60 x 60 cm

 

 


René van den Bos
‘Inside outside # 15’ (2020), acryl en pigment op katoen, 60 x 60 cm

 




René van den Bos
'Inside outside # 10' (2020), acryl en pigment op katoen, 160 x 130 cm

 

 

         
René van den Bos
Zonder titel # 12 a (2020)
Aquarel, bladmaat/sheet 20 x 20 cm, lijst met museumglas / frame with museumglass, 29 x 29 cm

 

René van den Bos (NL - 1959)
In de periode 2016-2020 maakte René van den Bos schilderijen met uiterst fijne rasters.
Millimeter smalle stroken afplaktape werden, met een minimale onderlinge afstand, over één of meerdere kleurvlakken aangebracht, overschilderd en weer verwijderd.
Door deze handeling te herhalen in horizontale en verticale richting ontstonden gelaagde doeken met ritmische lijnpatronen met hoogteverschillen en over elkaar schuivende kleurbanen.
Het optisch, zinderend beeld kan in eerste instantie overeenkomsten oproepen met een wat rigide, mechanisch grafisch patroon. Bij nadere beschouwing wordt de handmatigheid zichtbaar en het sublieme spanningsveld tussen concept en uitvoering duidelijk.
Ondanks uiterste zorgvuldigheid bij het gespatieerd aanbrengen van het plakband blijkt het patroon niet perfect. Om smalle banen te kunnen afplakken moest de kunstenaar het tape in de lengterichting handmatig snijden waardoor er minimale verschillen ontstaan in de dikte van de zichtbare lijnen. Afhankelijk van de gebruikte verfsoort (olieverf of acryl) en het moment van het verwijderen van de maskeringen (tijdens of na droging van de verf) verschijnen er meer of minder ‘rafelranden’. Door lichtval en schaduw worden de hoogteverschillen tussen lijnen en vlakken zichtbaar, voorgrond en achtergrond verscherpen of smelten samen.

Voor de meest recente schilderijen gebruikt de kunstenaar weer ongeprepareerd katoen als drager. Het doek was tussen 2013 en 2020 niet meer leverbaar en noopte hem indertijd een andere drager te kiezen. Het katoen absorbeert de verdunde acrylverf sterk waardoor er een diffuse, fluwelige huid ontstaat en de kleur (de verf) zich eerder ín het doek dan óp het doek manifesteert.
Vóór het aanbrengen van een kleurbaan wordt de begrenzing afgeplakt met tape hetgeen een  contrast tussen het ‘vloeiende’ vlak en de randen oplevert.
Het tijdelijk maskeren van delen van het doek levert resultaten op die de kunstenaar niet volledig in de hand heeft, vergelijkbaar met de ‘onvolkomenheden’ in zijn rasterschilderijen.
De vorm van de begrenzing wordt bepaald door de ‘waterigheid’ van de verf en is niet geheel voorspelbaar. De verf kan uitvloeien en grillige, vloeiende overgangen opleveren maar soms ontstaan strakkere lijnen. Voor de kunstenaar zijn deze, niet volledig te sturen resultaten, een geschenk van de materie.
TvdB

“Mijn schilderijen laten zien dat ik gefascineerd ben in de grondbeginselen van de schilderkunst, lijn ritme, kleur en materialiteit geven mij de ruimte deze te benutten zonder anekdotes te willen gebruiken. Geconcentreerd onderzoek ik de mogelijkheden van het schilderen waar ik grenzen bepaal in een systeem waar de formele aspecten van de verf ter sprake kunnen komen”
RvdB

 


Harry Markusse
Untitled 2020-1 , acryl op papier / acrylic on paper, lijst met museumglas / frame with museumglass, 70 x 50 cm

 



Harry Markusse
'Stacked Paintings #1' (2021), acryl op linnen in perspex/ acrylic on linen in perspex, 13 x 8 x 6 cm (5 x) - sold

 


Harry Markusse
'Stacked Paintings #2' (2021), acryl op linnen in perspex / acrylic on linen in perspex, 13 x 8 x 6 cm (5 x) - sold
 

Harry Markusse (NL - 1990)
Harry Markusse schildert.
Hij maakt gebruik van strakke geometrische vlakken en lijnen, die hij vaak met behulp van ‘masking tape‘ aanbrengt. Tijdens het werken ontstaan, binnen het vooraf gekozen, bewust summiere concept, uitdagingen en  keuzes voor schilderkunstige oplossingen.
Door vormen te spiegelen, kantelen, verschuiven, te herhalen en deels te overschilderen ontstaat een gelaagd beeld met heftige kleurcontrasten (of soms juist alleen subtiele tonen) waarbij het oog van de beschouwer houvast zoekt  tussen vorm/restvorm, voor/achter, beweging/tegenbeweging en plat/ruimtelijk.
Bij nadere beschouwing blijken ook de, op het eerste gezicht, messcherpe vlakken hier en daar rafelranden te bevatten. Deze imperfecties zorgen voor een extra spanning in het beeld en maken ook het tactiele, het handmatige zichtbaar. 
Bij het onderzoeken van de grenzen en mogelijkheden van ruimtesuggestie versus letterlijke ruimte kunnen werken ontstaan die, losgehaald van het spieraam, object worden.

'Stacked Paintings'
De directe werkwijze van schilderen -starten met een summier plan en ruimte geven aan andere keuzes-  levert niet altijd het gewenste resultaat op. Overschilderen is vaak geen optie aangezien onderliggende lagen zichtbaar blijven en door de kunstenaar vrijwel altijd als storend worden ervaren.
Deze afgekeurde schilderijen liggen afgespannen en opgestapeld in het atelier van de kunstenaar en zijn de basis voor de ‘Stacked Paintings’. Markusse selecteert uit deze kleurrijke stapel meerdere (delen van) werken die hij, zorgvuldig gevouwen en op gewenste volgorde, plaatst in een op maat gemaakte plexiglazen box.
Schilderij wordt object.
Deze handelingen van (opnieuw) selecteren en ordenen van vorm en kleur komen sterk overeen met wat Markusse doet tijdens het proces van het schilderen. 

 


Harry Markusse
'Collage # 1 -2021' (2021), acryl op versneden linnen/ acrylic on cut linen, lijst met museumglas / frame with museumglass,  50 x 40 cm sold
Foto: Pieter Bas Bouwman Photography

 


Harry Markusse
'Collage # 2 -2021' (2021), acryl op versneden linnen/ acrylic on cut linen, lijst met museumglas / frame with museumglass,  50 x 40 cm sold
Foto: Pieter Bas Bouwman Photography

 

'VIEW INDICATOR # 16'
Groepstentoonstelling / Groupshow
 09/07 > 17/07


 


Jus Juchtmans, P.B. Van Rossem, Paul Gees

 


Wolfgang Ellenrieder

 


Ditty Ketting

 

 

'Tonalities'
Henriëtte van 't Hoog & Friends
11/09 > 16/10  2021

Henriëtte van 't Hoog (NL)
Shuqing Ma (CN)
Werner Windisch (DE)
Veronika Wenger (DE)
Richard van der Aa (FR)
Michael Wright (UK)

Henriëtte van 't Hoog exposeerde meerdere keren als 'gast' in onze galerie.
Sinds 1 januari 2021 wordt zij door ons vertegenwoordigd. Op haar voorstel is haar eerste solotentoonstelling omgezet in een groepstentoonstelling waarvoor ze 5 bevriende kunstenaars heeft uitgenodigd.

Henriëtte van 't Hoog exhibited several times as 'guest' in our gallery.
Since 1 January 2021 she has been represented by us. At her suggestion, her first solo exhibition has been transformed into a group exhibition, for which she invited 5 befriended artists

 

 

Henriëtte van 't Hoog (Amsterdam - NL)
Klik HIER voor de informatie over Henriëtte van 't Hoog op onze website



 


Henriëtte van ’t Hoog
‘Duo (Bis) I’ (2021), acryl op MDF [Ed.1/3], 36 x 65 x 12 cm

 

      
           
Henriëtte van 't Hoog
Aquarel # 01 (2018), Watercolour on paper, 58 x 50 cm (sheet size) - frame with museumglass 70 x 60 cm

 

 


               
Henriëtte van 't Hoog
Aquarel # 02 (2020), watercolour on paper, 60 x 45 cm (sheet size) - frame with museumglass 70 x 60 cm

 

 


Henriëtte van 't Hoog
'Vier Dreiecke II' (2020), acrylic on MDF, 87 × 46 × 9 cm

 

 


Henriëtte van 't Hoog
'Wedge VI' (2014), acrylic on zinc, 43 x 30 x 18 cm


 


Henriëtte van 't Hoog
Soul Light I (2019), Acrylverf op MDF, LED-licht / acrylic on MDF, LED light, 160 × 75 × 38 cm

 

Werner Windisch (Freiburg - DE)

"For another day or a picture of the world"

What is the artist concerned with?
The answer to this question leads us to the group of plaster works. 
The carrier of the colour here is the unconventional material plaster. It is first poured into rectangular, flat wooden frames lined with robust foil. The irregularly amorphous form, sometimes reminiscent of lamellae or the organic, results from a sculptural process of the artist with the form-giving components of the frame and the foil. The classical rectangular form is thus left behind, at least in its geometric perfection, in favour of a more or less autonomous form-finding through the material.
The material harbours a certain density, is completely homogeneous in itself and fascinatingly uniform in its structure. Nothing is left to chance; in its purity, the substrate, so mixed, shaped, dried, sanded, borders on perfection.
The paint is applied to the surface through a painter's sieve. In this case, the painter's hand does not touch the surface of the painting, so that the colour material can unfold without any individual gesture. The result is an undisturbed, intimate connection between support and paint. In this respect, painting is objectified, not only because the painting becomes an object, but also because the subjective painting gesture has given way to a standardised and automated process. 
Here, too, the paint is allowed to transcend two-dimensionality and to incorporate the sometimes more, sometimes less wide edges of the plaster bodies thus created. Colour noses again bear witness to the different shades of colour used. At this point, the connection between the perfection of the support and the surface and the autonomy of the material in the application of paint suggests itself. 

(Excerpt from the catalog text by Eveline Weber M.A., Freiburg)

 


 


Werner Windisch
Untitled (2020), acrylic on plaster, 25 x 25 x 4,5 cm

 


Werner Windisch
Untitled (2020), acrylic on plaster, 25 x 25 x 4,5 cm

 

 

        
Werner Windisch
Untitled (2020), acrylic on plaster, 44 x 23 x 4,5 cm

 


Werner Windisch
Untitled (2020), acrylic on plaster, 25 x 25 x 4,5 cm

 

Veronika Wenger (München - DE)

Historically, drawing was not an autonomous medium.
Nobody gave much thought as to whether a drawing was abstract or non-abstract, it merely existed to design something or to find a sign for something. Drawing was used for sketching, studying, or preparing a painting.
For me, the most important aspect of drawing is the difference between the line and the drawing itself.
(Veronika Wenger, August 2021)

 


Veronika Wenger
'Occupé libre' (2018), tape & marker on plastic, 100 x 65 cm


 


Veronika Wenger
'Alphaville' (2018), marker, pencil & tape on plastic, 100 x 65 cm

 

 


Veronika Wenger
'Abgerissen' (2020), acryl, spray, marker & tape on cardboard, 100 x 70 cm (framed)

 

 

 

 

 

 

 

 
Veronika Wenger
‘Prinzregententorte’ (2021), marker, spraypaint, acrylic on paper,102 x 81 cm (framed)

 

 

Richard van der Aa (Paris - FR)

The Normandie Suite

In early 2020 I spent some time in solitude in Normandie in an old farm cottage. I was there to separate myself from my habitual routine and think again about what was important to me – to be still, listen and be reminded. Months later, in connection with that experience which affected me deeply, memories of the Nomandie landscape came flooding back to me.

So began the series of work on paper which I have entitled the ‘Normandie Suite’. At a certain point in working through this new series I came to an important realisation. I found that I was arriving at similar forms as in past work but for completely different reasons. They were emerging from the inside out. That is: the forms were generated through my experiences in relation to the subject matter – from observation of real things if you will. Through memory and with the help of a few drawings and photographs I had made there, a new series of work arose. It emerged organically. Not planned, one image came after another. They seemed to be about a sense of place.

I have always believed there is more to the art object than meets the eye and consequently I look to make art which suggests meaning beyond the form. I want my work to convey a substantial connection to a life lived. With the Normandie Suite I found it was arriving naturally through the organic process of give and take in finalising the image – in finding the form which feels right and working at it until it seems as if it were inevitable that it would be this way. It clicks into place with my lived experience.

For the moment, Normandie has become the motif on which to layer my intuitive responses. A foundation on which to build images. The Normandie Suite is not so much about picturing Normandie as it is about illustrating of a state of mind.

Richard van der Aa, August 2021

 




Richard van der Aa
'La Fenêtre – Normandie Suite', (2021), acrylic on paper, 50 x 50 cm

 

 


Richard van der Aa
'La plage dans la nuit – Normandie Suite' (2021), acrylic on paper, 50 x 50 cm

 

Shuqing Ma (Beijing - CN)

Above The Plane
Unlike a wall, painting is an open plane.
The boundary makes the flat image into a space, delivers a 3D viewing message.
The painting process and the artist's unique methods have all remain on this plane.
(Shuqing Ma, August 2021)

 

  
Shuqing Ma
Untitled 2018 D.2 (2018), oilpaint on panel, 37 x 20 cm 



     
Shuqing Ma
Untitled 2020.11.12 (2020), mixed media on board, 53 x 36 cm




Shuqing Ma
Untitled 2020.11.13 (2020)
Mixed media on board, 58 x 25 cm

 

Michael Wright (London - UK)

Personal statement on philosophy of practice:
We have come to understand, with the increasing convergence of a common phenomenological approach in both art and science, that the visible world is but the surface appearance of an infinitely complex interdependent relational complexity; and that this reality is the prompt to look with awe at the underlying structures and patterns that are at work, and which form the drivers and engine of reality.

It is one of the paradoxes of visual art that while it is concerned with absorbing the artist and the viewer within the concrete beauty and facture of orchestrated pictorial composition that it’s most profound pleasure and significance does not reside so much in the aesthetic appearance but, the both disturbing and consoling sense, that within the creative process is revealed the deeper reality of the psyche, and more particularly beyond psyche, the sense of intimations and connection both to the forms of the collective unconscious and the underlying forces at work in phenomena.

In this sense to work at art is to seek to be attentive and responsive to promptings and to simply do as one is asked to do. In so far as one is capable of sustaining the necessary attention and concentration to follow these promptings the work develops its own peculiar and distinctive logic as an independent form. In reciprocity there is in turn a great sense of freedom of discovery in that one is not the progenitor, rather the vehicle for what seems an autonomous process whose authority is beyond the instrumental constraints of the insecure ego; beyond affectation of aesthetic style, conceptual dogma or emotional therapy.

 

Short Statement on the works for exhibition:
The set of digital art works have their beginnings in either of two sources; one being the compunction to photograph found arrangements and the other to explore geometric patterns and ratios as in the Fibonacci series. In the sense that both of these are found, pre-existent forms my curiosity is in digitally improvising drawing arrangements which interact with and transform these found structures, into something akin to a visual dialogue or performance of rhythmic exchange between structure and flux; between the necessary forces and counterpoint of order and imaginative freedom of movement.
(Michael Wright, August 2021)

 


Michael Wright
'Correspondence' (2021), digital print mounted on aluminium,  43.5 x 67 cm, (Ed. 1/10)

 

 


Michael Wright
'Fibonacci Improvisation' (2021), digital print mounted on aluminium, 43.5 x 43.5 cm (Ed. 1/10)

 

 


Michael Wright
'Calypso' (2021), digital print mounted on aluminium, 43,5 x 88 cm (Ed. 1/10)


 


Michael Wright
'Wave' (2021), digital print mounted on aluminium, 43,5 x 75,5 cm (Ed. 1/10)

 


 

 

Kunstbeurzen/ Art Fairs 2021


Stand / Booth 50
Cor van Dijk (NL), Ditty Ketting (NL), Dave Meijer (NL), Nanda Runge (NL)
Jus Juchtmans (BE), Sybille Pattscheck (DE), Wolfgang Ellenrieder (DE)